20 – Breakin’2 : Electric Boogaloo (Sam Firstenberg, 1984)Breakin’2 encapsule toute la folie et le mauvais goût des années Cannon, le studio 80s des cousins marchands Golan et Globus. On peut certes en dire autant de beaucoup de films Cannon, mais celui-ci a des nains sur ressorts et des nonnes en patins à roulettes. Sorti neuf mois après l’original (!), c’est un pastiche fauché des musicals de la MGM. Une explosion fluorescente de smurf, de breakdance et de pré-tecktonik dans un parc à skates de Malibu. Sa grande pérennité tient dans son sous-titre, entré dans le langage pop courant et désignant une suite qui a pété les plombs et/ou ne devrait pas exister. Exemple : Titanic 2 : Electric Boogaloo… Essayez, c’est rigolo.
19 – Retour vers le futur 2 (Robert Zemeckis, 1989)
Doc et Marty reviennent en 1955 et doivent empêcher le « vieux » Biff de donner l’almanach au « jeune » Biff en faisant gaffe de ne pas tomber sur leurs homologues du premier film. Marty se souvient de tout comme si c’était hier pour la simple et bonne raison qu’il était là, hier ! Le grand public goûte à l’un de ses premiers vertiges « méta » (bien avant que ce soit à la mode) et Robert Zemeckis montre enfin ses vraies couleurs de cinéaste expérimental et high-concept. Drôle de film, rétrospectivement. Très casse-cou.
18 – Election 2 (Johnnie To, 2007)
Si le premier marquait déjà un sursaut d’ambition dans la filmo de Johnnie To, jusque-là spécialiste du polar de poche, le deuxième frappe carrément aux portes du Panthéon. C’est l’entrée dans la fresque ; après la lutte fratricide entre triades vient la grande parade des cérémoniaux à la bougie, des nœuds shakespeariens et des morceaux d’anthologie saignants (les morsures de chien comme instrument de torture). L’assurance avec laquelle Johnnie To cherche (et réussit souvent) à émuler Le Parrain 2 est sidérante.
17 – Les Valeurs de la famille Addams (Barry Sonnenfeld, 1993)
Personne ne se souvient de l’original. Mais les gens de goût se sont jetés sur sa suite, une vision cauchemardesque de l’Amérique blanche raciste dans laquelle les Addams passent pour un modèle de stabilité. Il faut bien l’avouer, une sorte de classique oublié des 90s. Une bimbo veuve noire (sublime Joan Cusack) met le grappin sur l’Oncle Fester tandis que Mercredi et Pugsley sont « déportés » au camp de vacances Cheepewa, gavés de films Disney et de propagande judéo-chrétienne. Pour un film hollywoodien tout public, c’est d’une rare violence envers la Bible et les blondes.
16 – Hellboy II – Les Légions d’or maudites (Guillermo Del Toro, 2008)
Tout fonctionne au poil dans ce film. Le prologue animé arty, l’histoire, la quête du méchant, le design des légions maudites, Barry Manilow, les moments de poésie, les scènes d’action, les effets spéciaux, les acteurs, l’interaction des acteurs avec les effets spéciaux… Tout ! Du coup, on s’interroge : Le meilleur film de Del Toro ? Qu’est-ce qu’ils attendent pour le 3 ? Qu’on meure tous de vieillesse ?
15 – … Et pour quelques dollars de plus (Sergio Leone, 1966)
Celui-ci appartient à Lee Van Cleef et le dernier (Le bon, la brute et le truand) à Eli Wallach. Clint est le second rôle fantôme des films des autres. Mettant leurs différends de côté, Van Cleef et l’homme sans nom font équipe pour capturer Gian Maria Volonte. Le buddy movie sous sa forme la plus féline et désespérée. Le duel de chapeaux le plus long, la partie de poker la plus captivante… L’un des films les plus cool de la création.
14 – Evil Dead 2 (Sam Raimi, 1987)
Ce bon vieux temps de la comédie sauce tomate. Personne ne pourrait refaire Evil Dead aujourd’hui (le remake, d’un sérieux carabiné, l’a prouvé). Sam Raimi a eu l’intelligence de ne pas essayer avec son pilote dialogué ( !) de Ash vs Evil Dead, en 2015. Mais, en 1987, il était encore assez jeune pour refaire Evil Dead. Doté d’un budget cinq fois supérieur, il replongea dans les viscères et l’hémoglobine et en sortit le mont Everest de la comédie gore. À part Peter Jackson (Brain Dead), personne n’a plus jamais essayé de lui ravir le titre. Mais que fait la jeunesse ?
13 – Nous irons tous au paradis (Yves Robert, 1977)
Le vaudeville lunaire et giscardien d’Un éléphant, ça trompe énormément ne faisait qu’effleurer le grand film de potes que Nous irons tous au paradis se charge de camper un an plus tard, dès la scène d’ouverture dans la voiture décapotée sous la pluie. L’homosexualité douloureuse de Daniel, la mort de Mouchi, les parties de tennis casquées pour échapper au bourdon des avions… Yves Robert et Jean-Loup Dabadie négocient superbement le virage « Ettore Scola » de la comédie douce-amère et des choses graves dites avec tendresse, sans aigreur ni petits mouchoirs.
12 – Captain America – Le Soldat de l’Hiver (Anthony & Joe Russo, 2014)
Que raconte la trilogie Iron Man, en fin de compte ? Comment comparer Thor 1 à Thor 2 ? Marvel n’a jamais brillé par la cohérence apportée à ses sagas. Les films servent plusieurs maîtres à la fois : la série mère Avengers, les séries comics, une série tv quelconque, etc. À ce jour, Le Soldat de l’Hiver est leur seul sequel à sortir (plus ou moins) indemne de ce grand shampouinage. Un film (presque) cohérent de bout en bout où Cap, cherchant sa place dans le monde moderne, combat Hydra à Washington. Virtuose dans l’action, raccord avec l’original, attentif au personnage… Que s’est-il passé ?
11 – Quand l’inspecteur s’emmêle (Blake Edwards, 1965)
Le génie lounge de la Panthère Rose donne naissance à un spin-off (bientôt une saga entière) consacré à l’inspecteur gaffeur Clouseau, alias Peter Sellers. Coécrit par William Peter Blatty (auteur de pièces de boulevard avant de devenir celui de L’Exorciste), le film excelle à laisser la comédie respirer, et les scènes tirer en longueur. Certaines parmi les plus « tenues » de la série : l’explosion de la « beumb » chez Clouseau, la synchronisation des montres, le billard, le flânerie dans le camp de nudistes… Le meilleur de l’inspecteur ? Pourquoi pas.
10 – Before Sunset (Richard Linklater, 2005)
À la fin de Before Sunrise, au terme de leur nuit inoubliable, Jesse (Ethan Hawke) et Céline (Julie Delpy) se disent adieu sur le quai sans savoir s’ils se reverront. Une promesse « en pointillés ». À la fin de Before Sunset, il la regarde danser dans le salon, bien décidé à rater son avion… Le rêve de jeunesse est passé. Restent les illusions perdues, les regrets, les compromis. Sunrise capturait la poésie d’un « moment dans le temps », Sunset fait le compte de ce que le temps a laissé aux amours fugaces. Jesse et Céline se retrouvent, l’espace d’une balade en temps réel dans Paris. Un film plus riche, peut-être plus fort, justement parce qu’il sait ce qu’il doit à l’original. Sans passé commun, pas de présent…
9 – Psychose II (Richard Franklin, 1983)Psychose a connu trois suites dans les années 80. L’ensemble vaut le détour ne serait-ce que pour regarder Anthony Perkins vieillir dans le rôle de sa vie. Mais le « 2 » est une révélation. Bates sort de l’asile avec l’espoir de retrouver une place dans ce nouveau monde (de slashers). L’univers du film conspire pourtant contre lui et cherche à le recentrer sur ses pulsions homicides. Le spectateur craint pour Norman, tout en sachant que ce n’est pas très sage… Un thriller B étonnamment inconfortable, sur le fil, tenu de bout en bout par la performance bouleversante de Perkins, lui-même en empathie totale avec le grand fiston à sa maman.
8 – Die Hard 3 – Une journée en enfer (John McTiernan, 1995)
Si l’on considère la saga Die Hard comme une entité médiocre où se reformula, par deux fois, l’horizon esthétique du cinéma d’action, vous ne nous en voudrez pas d’enfreindre notre propre loi des séries en faisant passer ce « 3 » pour un « 2 ». S’étant fait porter pâle pour le vrai 2, McTiernan revient dynamiter le genre en conjuguant le blockbuster au reportage de guerre. En dehors de la parenté Gruber, c’est bien lui (son ironie souveraine, son style jazz étourdissant) qui établit le lien avec Piège de Cristal et raccorde les deux films ensemble en une grande tapisserie de violence pastiche. Le casse le plus spectaculaire jamais filmé ? Le meilleur accent allemand donné par un Anglais depuis Alan Rickman ? Tout ça, oui.
7 – L’Empire contre-attaque (Irvin Kershner, 1980)La Guerre des étoiles mentionnait l’existence d’une galaxie ? L’Empire… part l’explorer, inventant au passage la trilogie cinéma (le second volet pose les enjeux que le troisième résout), modèle déposé et jamais égalé. C’est triste mais on n’a toujours pas fait mieux que « je suis ton père » pour laisser les choses en suspens... Avec l’apparition de Yoda vient la clarification du concept de la Force et la naissance d’une religion pop-culturelle. Avec Boba Fett, l’obsession du détail et la razzia industrielle sur les jouets. L’essentiel de la fascination que Star Wars continue d’exercer sur la planète prend sa source dans ces deux heures de film.
6 – Les Bronzés font du ski (Patrice Leconte, 1979)
Le Splendide part à la neige, et c’est tout de suite plus drôle que de les voir (essayer de) niquer dans des cases. Les Bronzés font du ski est aux Bronzés ce qu’Internet est au minitel : le classique inoxydable, le vrai, face auquel l’original fait figure de répétition. Pas seulement meilleur ; un standard absolu. Un cas assez unique dans l’histoire des suites et dans cette liste.
5 – Il était une fois en Chine 2 – La Secte du Lotus Blanc (Tsui Hark, 1992)
Il fallait moderniser la figure historique et folklorique de Wong Fei-Hung (docteur, maître en arts martiaux, héros folk) et réussir à imposer dans le rôle, comme dans le cœur du public chinois, un jeune acteur digne d’en assumer l’héritage (Jet Li). Ça, c’était le premier film. Fei-Hung et ses compagnons peuvent maintenant partir botter les derrières d’une secte de nationalistes allumés en se balançant sur des tiges de bambou et les uns sur les autres. Clou du spectacle : le combat Jet Li/Donnie Yen dans l’usine de soja (bâton contre drap mouillé !), sommet kung-fu des carrières respectives de Tsui Hark (réalisateur) et Yuen Woo-Ping (chorégraphe).
4 – Aliens – Le Retour (James Cameron, 1986)
La réponse de James Cameron au classique Ridley Scott ? Envoyez les Marines ! L’apex d’une philosophie martiale du sequel + gros et + bruyant, Aliens (tout est dans le « s ») est un subtil morphing de contraires : épique mais avec une âme de série B, viril mais féministe, futuriste mais traumatisé par l’iconographie des G.Is enlisés au Vietnam… C’est peut-être le film le mieux rythmé au monde et aussi l’un des rares « 2 » pouvant revendiquer un univers propre, indépendant du reste de la série. Gloire à ses fusils plasma stridents, ses « beep » de détecteurs de mouvement et son « Get Away From her, you Bitch ! ».
3 – La Fiancée de Frankenstein (James Whale, 1935)
Si l’appellation « classique » désigne l’origine du mythe, son expression la plus nue et la plus simple, alors le premier Frankenstein de James Whale, sorti quatre ans avant, fait autorité. En revanche, si par « classique » on entend Monumental, Marqueur ou Mille fois parodié/plagié (coucou Mel Brooks), pas le choix : Bride of Frankenstein est le classique (des classiques) à battre. Une suite complètement déjantée où la créature se relève de ses cendres et part explorer un monde surréaliste peuplé de forêts mentales, de lilliputiens et de cinglés du cigare (« Gooooood »). Un film assez peu… classique, en fin de compte.
2 – Le Parrain 2e partie (Francis Ford Coppola, 1975)
Historiquement, la première apparition d’un « 2 » derrière le titre d’un film. Le mot « Partie » avait aussi son importance, l’ascension en flashback de Vito Corleone dans le New York des années 20 éclairant non seulement la situation du fils Michael au présent, mais l’intégralité de l’opus précédent (dont il est la suite/prequel ). Le tout forme une œuvre complète. Le débat de savoir si c’est un meilleur film que le premier devrait s’arrêter là.
1 – Mad Max 2 – Le Défi (George Miller, 1981)
Mad Max : toujours en mouvement, un héros solitaire survit dans un monde apocalyptique. Les films mettent chacun l’accent sur un des éléments de cette équation. En débarquant (trente ans après) à l’ère du blockbuster flash et épileptique, Fury Road (2015) concrétisait le fantasme du film-ligne droite, du mouvement perpétuel. Mad Max (1979) donnait tout à son héros. Mad Max 3, lui, s’efforçait d’explorer la mythologie post-apo mise en place dans Mad Max 2, le seul à avoir créé un monde (de cinéma). Le seul à contenir, dans ses 95 mn bien serrées, la totalité de l’équation. Au micro de Première, David Fincher s’exprimait ainsi : « Aucun film n’a su traduire le voyage du héros avec une telle aisance mythologique. Du point de vue de l’énonciation, du mouvement, de la pure trajectoire, c’est d’une perfection minérale. » Lorsqu’il dit ça, vous savez de quel Mad Max il parle.
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